由討厭變英雄──WILLIAM EGGLESTON彩色攝影之父

被譽為Father of Color Photography（彩色攝影之父）， 現年81歲的William Eggleston作品乍看隨意平凡，但他攝下的奇幻光影，卻影響了後來無數的攝影家以及電影人。他的攝影作品鮮有在拍賣場出現，甚至是他的攝影集，因為追隨者眾，美輪美奐，也不易入手。近年數碼科技爆炸性進步，以往只限於24吋大的攝影作品，可透過博物館級數的噴墨打印技術，放至五呎多高。收藏攝影作品也在九十年代開始興起，收藏者日眾。

「Father of Color Photography只有一個。」近日第一次在港舉辦個人攝影展，大師的部分經典作品，終於可親身得見。

TEXT BY 何兆彬

24吋名作變60吋巨作
國際畫廊要員多在每年暑假外出，9-11月一眾畫展重開，是下半年最熱鬧的藝術季節。今年有點不一樣，航班多停飛了，而上半年的重點展覽，也一一推遲。九月中環第一個重要展覽，是位於中環H Queen’s 畫廊 David Zwirner舉辦的William Eggleston攝影展，同樣白晢的牆上，掛上了他一幅幅巨型的舊作。William Eggleston第一個突破性攝影展，是1976年於美國MoMA博物館舉行，今次展出，正是1973-78年的重要作品，也就是他在這個年代，改變了攝影世界。

作品是經典舊作，但沖印技術是新的。不，該稱為打印技術，David Zwirner畫廊總監許宇（Leo Xu）解釋，當年以光學技術沖灑的照片，由於尺幅上的限制，大概24吋長闊已是極限。七十年代用轉染法（Dye Transfer），採用光學濾成三隻明膠負片上，逐層上色的技術，每次只可以沖灑150張，「它的顏色鮮艷亮麗，不是一般老百姓可以負擔的。但舊技術有尺幅上的限制，而且每一張都總有輕微差別。數碼技術不同，它的成品標準化，對攝影家來說，尺幅上作出了解放，你要多大就多大。而且保護到原作──那些中幅或大幅的正片，只需掃描一次，日後都存在硬碟內，不像光學沖印每次都要掃描。」新的技術打印下，每張作品都超過60吋（5呎）x 40吋（3呎多），精細度非常高。畫廊中有一幅照片，上有兩名少女，躺在床上，他說：「以往24吋作品上，不可能看到相中少女手臂上的抓痕，不會看到這麼多故事。」

最放肆、打破最多規限
香港人未必了解Eggleston，我們只知他是神級大師，至於他為甚麼被稱為Father of Color Photography，需要從頭說起。

人類在19世紀發明攝影術，攝影起初是紀錄，然後是新聞和紀實，它自己的藝術路，最初由黑白照片擔任主角，一直至七十年代，印刷品中有幾頁彩色照片，都是停留了在時裝照、商業照片上。從古典繪畫，到黑白相片，當中的藝術語言只能說是演變，而非革命，它們都有特定的規則。Eggleston是彩色相片中最放肆、打破最多規限的一人，多年後他接受訪問時自言，「我的眼睛一直往色彩去看，因此一開始拍照，就選彩色菲林。」

「很多人說他的作品特別代表美國南部的風景，但對我來說，Eggleston代表了全球化開始之前的一個年代。當時全球開始有航班飛行，經濟開始復甦，人們開着汽車在公路上行走，這是在工業大生產的時代的一個視覺。」許宇：「但當年社會上人們看到的圖像都是黑白的，只有時裝雜誌才附送幾張彩色照。彩色世界是一個難以界定的世界，可能代表商業圖像，或功能性的圖像。另一方面，最早的彩色攝影也令人害怕，對攝影師來說，像進入了繪畫一樣的賽場裡。」

Eggleston的照片總像信步所至，這邊拍攝公路上的加油站，那邊拍拍可樂招牌、小商店、餐廳，大都是荒涼中有一抹難以言喻的艷麗，底片中顏色在沙漠黃中，帶點夢幻，「後來，好多電影像David Lynch、Sophia Coppola電影也放了很多這種構圖，八十年代的電影、繪畫，也用上很多這種語言，影迷看他的攝影，總見到公路元素，「『公路』在他及後面幾代攝影師都很重要，沒有公路，不能成型，很多攝影師用馬路為題材，但他拍的已不是樓下馬路，而是高速公路。」

許宇說，因為攝影有一定紀實性，它對世界經濟的關注，總多於繪畫，「所以，二十世紀前半很多攝影師都很重視你看到的事物，對社會人文經濟的再現。所以Eggleston作品不僅是美感上的表現，也反映到人的居住環境。」60年代開始，很多藝術家採用相機作輔助器材，例如先拍下風景，再回工作室繪畫，「很多人把彩色攝影當輔助，是他第一個拿它當主角，他使用的色彩、構圖、角度都不是從黑白攝影移植過來，而是完全他原創的。那高度飽和的色彩，多過任何眼睛可以捕捉，即使畫家也不會畫出這種顏色。」他有一幅名作 （《無題》約1971-1974年）常在他攝影集中出現，相中一個女人，被Eggleston把她的頭部完全裁割在畫框之外，只露出半身和半截短裙，相當大膽，「在七十年代，沒有人敢這樣做。」

「全年最討厭的展覽」
這樣大膽的風格，剛出道時不被接受，但結果改變了世界。這種例子在藝術史上屢見不鮮，例如印象派、例如野獸派，兩個名詞本來都是負面的。

1976年Eggleston在MoMA的展覽舉辦時，被藝評、畫廊形容為「粗俗、沉悶」，《紐約時報》稱它為「全年最討厭的展覽」，多年之後，他形容那些批評一點也沒有令他不快，「那些藝評家因為照片是彩色而被震撼了，今天聽來，是瘋狂的，他們也沒有解釋為什麼它是如此震。對我來說，這太荒謬了。」

1976過了沒幾年，開始有藝術家、攝影家的創作受到啟發，他們承認受到Eggleston影響。不過是幾年前被貶為低俗的攝影家，漸變成了彩色攝影的先鋒，當拍攝彩色的攝影師漸漸增加，他被捧成了教父。1976年成為一個分水嶺。「他是更展示到攝影本質的藝術家，每個系列，都在探索，同時也啟發了好多人，Sofia Coppola拍攝電影《迷失東京》，男女主角在床上的照片，或《鎖不住的青春》（Virgin Suicide）中拍攝森林的感覺，都大受其影響。今天差不多40-50歲的導演，都被他影響了怎麼運用圖像來創作。」同時，這種風格，拍目無表情的人像，被認為是對市面歌舞昇平的一種對抗，「經濟越好，布置越好，大家都喝可口可樂。而他的作品，讓你感受到人在距離以外的生活。」

五年前，Eggleston由著名的國際畫廊Gagosian轉到David Zwirner，今次是轉簽畫廊後第三個展覽。David Zwirner旗下的攝影大師很多，他們自然是看好攝影作品收藏的前景了，「攝影是現在藝術發展越來越重要的媒界，攝影在藝術家、攝影師中，是不可缺少的工具。我們在1993年成立，之前繪畫一直主導畫廊，是有了攝影繪畫才蹺道而行，那是誰搶了繪畫的跑道？攝影是價格比較可以接受的藝術品，攝影在日常生活也常出現，到處都有照片。油畫作品可能只有一張，但攝影有不同的版本，價格便宜很多。」他說的是攝影作品的平均價格，可不是說Eggleston的作品。如今以噴墨打印技術列印出來的巨作，每張只有兩版，比起70年代光學技術沖曬，流傳量更少，因此每幀要過百萬港元，是當今攝影師作品中，最貴的頭幾名。

「以他的地位，這價格其實不貴。你在市面上很難找到他的作品，因為喜歡他的人太喜歡他了，你也不會聽到有另一個Father of Color Photography！」