在一個什麼也可以複製的年代，還有沒有原創？原創又是什麼？
有一種說法，除了大自然是真正原創和獨一無二外，關於人類的創作都是創作者曾經在某個時空看過或遇見的某些影像等感官刺激，然後潛藏於某個「空間」裡，靈感一到，它以另一種形式再浮現出來，變成一種「原創」。
設計師原研哉認為「創造性與質疑是本質的，一個創造性的問題是一種表達方式——它不需要確定的答案。這是因為它本身就包含了無數答案」。

Text by JC     Photography by Gucci

藝術是讓觀者尋找答案的渠道。意大利品牌Gucci於上海舉行的《The Artist Is Present》探討原創和複製的議題，由藝術家Maurizio Cattelan策展。貫徹主題，是次展覽名字取自於藝術家Marina Abramovic於2010年舉行的《The Artist Is Present》，連其Artwall宣傳海報也複製了Abramovic當時的拍攝概念，幾可亂真。展覽的名字也複製了2010年Marina Abramovic於MOMA舉行的《The Artist Is Present》（藝術家此在），概念是Abramovic坐在一張椅子上，相望凝視任何上前坐在另外一張椅子上的陌生人。她說「每個坐在我對面椅子上的人會留下一種特別的能量。人離開了，能量則留下來。」Abramovic 說她把痛苦化為創作的力量，而Gucci的《The Artist Is Present》就是讓人體驗「複製化為創作」的力量。

創作就是重新演繹過去
對於時裝人最熟悉的Replica，應該是早期的Maison Margiela的Replica系列，他開宗明義重新演繹舊東西和服飾，變成簇新的“Replica”系列，大家視之為「新作」。新世代的時裝經常被人評為似曾相識，有舊酒新瓶之意，雖然看得人心花怒放，但也難免令人懷念時裝昔日的光輝歲月。美國版《Vogue》主編Anna Wintour認為：「在現今的世代，根本不會再有什麼原創的設計可言，一個時代都是在跟前一個時代而走。」換言之，要完全創新是否是妙想天開的事？

看《The Artist Is Present》展覽之前，先了解Alessandro Michele的時裝理念。自2015年，Alessandro Michele擔任Gucci的創作總監後，其風格和理念不只令品牌耳目一新，更顛覆了時裝圈，成為其他品牌的「學習」和「複製」對象。在Alessandro Michele的字典裡，Self-expression is the key。他熱愛歷史、喜歡過去，他認為創造就是重新演繹、扭曲和組合從前所經歷的一切，而且加入個人的新想法，延伸下去。他會不斷地重新演繹歷史，用自己的方式將歷史和事實再呈現出來，創作出屬於Gucci只此一家的“New Vintage”。他用時裝說故事。

“Present”對於Alessandro Michele來說，是當下的「空間」，也是來自過去的「禮物」，歷史啟發他的創作，讓他 “transform”出不同時裝故事。在一次訪問裡他指出：「我受到『過去』啟發，因為模糊不清的記憶，反而會像是全新的想法；記憶不是過去，而是那些你想要記得的過去，還有你想讓他們重獲新生的過去。所以你可以組合兩個記憶的碎片，讓他們擁有新的生命，就像是化學反應一樣。例如Gucci就是個擁有很多歷史的品牌，但你可以選擇忽略，因為每個現在也都是過去，我們是因為這些『過去』才存在的。我嘗試讓腦中的記憶激盪出嶄新思維，儘管活在當下，但這樣的化學反應非常具有現代內涵。」Alessandro Michele又喜歡以不循規蹈矩的方式去對抗既有審美觀，他認為那是一種與別不同的美，錯誤是一種美。他的設計就是拼湊過去、帶點怪誕的新時裝世界。

17房間的複製之旅
藝術是Alessandro Michele看世界的一線窗。繼 2015 年的《No longer/ Not yet》、2017 年《A Magazine Curated By》後，於上海舉辦《The Artist Is Present》是Gucci的第三次展覽，除了探討「複製」的議題，更像是回應這些年來指Alessandro Michele的時裝是複製古著的批評。當複製品經過創作者的演化，作品便有另一重意義和生命。他的創作嘗試打破時空和性別的界線，甚至嘗試用時裝複製過去的歷史文化，轉化成屬於Gucci的故事。米蘭百貨公司La Rinascente時尚總監Tiziana Cardini認為從商業角度來看，Alessandro Michele設計的所有服飾不分季節、尺寸、用途、性別完美地串連在一起，儘管各自都有出眾的特點，搭配在一起卻又能符合穿者的個人特質，這是他眼中的「現代概念」了。Alessandro Michele認為事情不是非黑即白，也有可能是灰色的，他多次強調自己沒有發明任何東西，一切創作都是源自人性。

今次展覽的策展人是Maurizio Cattelan，他形容自己只是一個藝術工作者，常常用對與世俗規則疑問的態度來創作藝術，直接挑戰社會規則、等級制度、宗教信仰等等，作品往往引起很大討論。Alessandro Michele覺得他和自己的想法很接近，便合力創作了這個富啟發性的展覽。Cattelan指出：「複製就像一個褻瀆：它似乎不尊重上帝，但同時又確認它的存在性。」今次他們邀請了超過30位中外藝術家參與，分為17個房間，以「複製」為主題，原創性、創作意圖和表達方式為準則，探討原作品本身如何透過複製品得以保存，並在工業複製年代中維持其原創性。

進入展覽的首個房間是Kapwani Kiwanga的作品，粉紅和藍色螢光燈的雙色組合，前者有減緩心跳呼吸速度，據說具減低攻擊行為的效果，而後者可降低血管的可見度，減少人們靜脈注射藥物的行為。 其他空間感Mika Rottenberg的〈No Nose Knows〉的裝置藝術則圍繞中國珍珠養殖，並創作一段超現實短片，諷刺珍珠製造業及日常生活中的怪誕荒謬的行為。而徐震以菩薩和其他中國宗教雕像被堆疊在一起，脖子上掛着Parthenon的雕像表示中西文化交流，我們唯有接受自身的文明，才能理解文明的無界限。而Margaret Lee則複製了Barneys百貨公司的櫥窗，廚房場景加一件Gucci仿毛皮大衣，以超現實主義詼諧地展現出了無新意與甚具特色的不和諧感。同一個房間之內，John Armleder的作品《Confusion》的靈感來自2009年第53屆威尼斯雙年展捷克與斯拉伐展館中由Roman Ondak的《Loop》，複製出將環繞展館的花園，飄來陣陣的桂花、白蘭花和綠草的香氣，留在每人腦海的味道卻變成了獨一無二的印象，然後無形地繼續發酵。其他作品還有Philippe Parreno的Speech Bubbles、Superflex複製位於布魯塞爾賈斯特斯利普修斯大廈內，歐洲聯盟理事會首長們所使用的洗手間。而靈感來自位於洛杉磯的著名荷李活標牌在壁畫上複製，將巨型荷李活標牌挪移至上海，透過單一而具代表性的圖像，質疑原創作品及其複製品的身份。

17間房就像一段探索真理之旅，Walter Benjamin的時代寓言說：「在數字時代，複製有着無限潛力，一件藝術品愈被複製，再詮釋，賦予更多內涵，便愈受尊重，進而成為藝術史的傑作。名作均擁有自我複製和分裂的能力，並且在不同環境中變出新意，這正是一些大師被稱神的秘，通過重複行為，我們也能創造屬於自己的多變的紀念碑。」

當Gucci遇上Lego
洪子健（Andy Hung）是唯一參與今次展覽的香港藝術家，他以超過1,000片標準及訂製的樂高片，用超過三周時間複製品牌經典的 Sylvie手袋，甚具結構感。Andy 跟我們分享首次這跟時裝品牌合作的經驗：「這是我們首次跟奢華時裝品牌合作，也是首次以手袋為主題的創作。今年三、四月左右收到一個email，邀請我合作，用Lego砌出一個手袋，我當然好有興趣，而Lego公司也沒有反對，於是便開始創作。我們根據Gucci寄過來的實體手袋，以接近千塊Lego把它複製，難度很高。

有別於過往圍繞情景和文化的創作，這次我們要複製一個手袋，無論是採用的方法和風格都是有轉變的，之前的創作，我們會加入自己的想法，今次則是技術層面上的挑戰，Lego片要儼如皮革般，將手袋每個細節都呈現出來，我們不斷trial & error，用了接近一個月時間完成，滿足感很大。藉着今次的crossover，讓更多人知道Lego的無限可能，把一個手袋完整地演繹出來。其中一個難度是零件上的限製，例如怎樣以現有的Lego零件複製手袋上金色的鈕扣等等的考慮。

我一直有留意Gucci這個時裝品牌，很欣賞他們每件產品都有傳承精神，舉例經典紅綠stripes常見於各種產品，之前他們跟Fiat合作，同樣會見到這顏色的stripes，令人一眼就知道那是Gucci產品。」

《The Artist Is Present》探討複製，怎樣看原創和複製的關係：「坦白講，今次的創作較少自己的想法，純粹把手袋一比一用Lego完整地砌出來，這就是複製，但同時又會看到Lego的圓點，將兩者的特徵都呈現出來，表達出今次原創加複製的概念上。藝術家一定要有自己的想法，而配合今次的主題，我們原汁原味用Lego呈現Gucci手袋的形狀和特色，我們一般砌Lego是由下而上，但這個手袋並不是這樣，而是從四面砌起，再用枝架承托起來。

近年時裝和藝術都不時有crossover，對於消費者多一種選擇和啟發。我覺得這種跨媒體合作是好事，就如今次奢華時裝品牌和大眾化的Lego 合作，讓大家看到兩者的火花，也再一次見到Lego的無限可能，這次絕對是我們一次新嘗試，新空間再去發掘更多藝術創作。最主要的方向是以Lego演繹本土或中國文化，創作一些令人有共鳴的作品，令他們更加深信「原來Lego真的有無限可能，可以砌出各樣東西」。

藝術從來沒有絕對的答案，反而引發更多的問號。大會在展覽的入口處列出幾條「複製」真理，其中之一是「Nothing is created. Nothing is destroyed. Everything is transformed。複製不是平地驚雷，不存在時間上的起止斷續，而是不斷改造、變化、轉型的連續過程，讓我們暫時把版權至上這一理念摒棄，轉而將複製視為單純的保存手段。無論如何，複製早已成為現今的主流生活方或。試想，每當我們在線上分享內容時，本質上就是對他人潛在剽竊」。年代在變，價值觀也在變，複製和原創的界線愈漸模，真理何曾是絕對！《The Artist Is Present》展覽於上海余德耀美術館舉行，展期至12月16日，讓大家重新思考原創性和複製和關係。