Schiaparelli在V&A

倫敦維多利亞與亞伯特博物館現正舉行《Schiaparelli: Fashion Becomes Art》展覽，是英國為ElsaSchiaparelli舉辦首個大型專題展——這位被Coco Chanel嘲諷為「那個做衣服的意大利藝術家」的女人，在一百年後得到與她對手同等的注視。

TEXT BY CL

1920至30年代的巴黎時裝界，表面是繁華的派對，實際卻是一場截然不同的美學戰爭。Coco Chanel提供的是解放與實用。她把女性從緊身胸衣中拉出來，讓她們穿上小黑裙、能自由行動的套裝，成為現代職業女性的制服。那是一種理性的、近乎禁慾的優雅，適合戰後新女性。相較之下，Elsa Schiaparelli走的則是完全相反的路。她把時裝當成畫布，當成夢境，甚至當成一場惡作劇。

Schiaparelli不是從裁縫學徒起家，她是個意大利知識分子，她與達達主義與一眾超現實主義藝術家是好友。她把Salvador Dalí的怪誕、Jean Cocteau的詩意、Man Ray的實驗，直接搬進衣服裡。1937年的龍蝦裙、1938年的骨骼裙（這次展覽中那件唯一存世的版本尤其震撼），還有那頂倒置鞋子做的帽子，從不是為了取悅他人，而是為了提問：衣服到底是什麼？是保護？是偽裝？還是另一層皮膚？

Chanel讓女人「舒適」，Schiaparelli卻讓女人「不安」。她設計的「視錯覺蝴蝶結針織衫」（Alessandro Michele至今仍在模仿）、把側臉印在衣服上的外套（YSL有學！）、把眼淚做成裝飾的晚禮服，都在挑戰觀者對身體與現實的認知。在一個仍然講究優雅與得體的時代，她已經在玩解構、玩概念、玩荒誕。這份前衛，比同時代任何設計師都走得更遠，也因此更孤獨。有趣的是，戰後的時尚史卻長期把她邊緣化。Chanel在1954年復出，重新掌握敘事權；Schiaparelli則在同一年結束高級訂製業務，逐漸淡出公眾視野。她的品牌一度沉寂，人們更願意記住簡約的黑白優雅，而不是那些會讓人皺眉的「怪衫」。但歷史的吊詭之處正在於此：真正影響後世的前衛，往往不是當時最受歡迎的那一個。

你可以在Martin Margiela的解構美學中看到Schiaparelli的影子——那種把衣服內裡翻出來、把結構暴露在外的做法，與她當年的骨骼裙有異曲同工之妙。Miuccia Prada對智性與怪誕的迷戀、對日常物件的戲劇化處理，也明顯承襲了Schiaparelli把平凡變奇異的態度。至於JohnGalliano在Dior時期的戲劇張力、那些報紙印花（最近Matthieu Blazy也來一個詮釋），更像是在向這位超現實前輩致敬。他們都在不同時代延續同一種精神：衣服只是穿著的，但時裝是想像的。

這次展覽最動人的部分，在於它沒有把Schiaparelli凍結在1930年代，而是拉出一條清晰的「金色絲線」通往現在。現任創意總監Daniel Roseberry自2019年接手後，沒有刻意模仿前輩的怪誕，反而把那種「把不可能變可能」的精神，用21世紀的方式重新演繹。

Roseberry的設計依然大膽，卻更懂得與當代身體和表演文化對話。他為Ariana Grande設計的奧斯卡禮服、為Dua Lipa打造的現代版骨骼裙，以及那些帶有機器人嬰兒、水晶綴飾、誇張肩線的系列，都讓人看到超現實主義如何在今天依然有效。他沒有把Schiaparelli變成博物館文物，而是讓她繼續活在紅地氈與街頭之間。那種把人體結構外顯、把珠寶當成盔甲、把幽默感藏在極致工藝裡的手法，正是對Elsa最好的繼承。

在展覽中，大家可以看到那件1938年的骨骼裙與Roseberry 2024年的作品隔空對話，展覽想突顯的是：最勇敢的那一個，可能才是最耐看、最真實的經典。Schiaparelli一生都在證明，時裝可以是藝術、可以是宣言、可以是玩笑，也可以是武器——雖然一度沉寂，但Schiaparelli從未真正缺席，她只是等了一個世紀，等到世界終於追上她的步伐。